LA CIUDAD QUE NUNCA DUERME

La década de los 50, época de postguerra, considerada la época del progreso de los Estados Unidos, en el nuevo mundo se consolidaban las dos grandes potencias mundiales, USA y Rusia, gracias al poderío militar y a los conflictos bélicos en lo que participaban, La paz que había parecido llegar después de la victoria de los aliados en 1945 no duró mucho. Para 1948 comenzó lo que se daría por llamar la " Guerra Fría". El duelo de los Estados Unidos y la Unión Soviética no era solo el de dos países, sino, el de dos sistemas de organización política y social, el de dos ideologías con tradiciones y valores diferentes; a demás lo que a finales de esta década vendría, Vietnam y nuevos conflictos, los avances tecnológicos jugaron un papel fundamental, mientras en la población se trataba de mostrar una imagen de reivindicación moral; estas incoherencias generaron malestar en ciertos sectores de la población dando origen a varios movimientos sociales que buscaban expresar su inconformismo, valiéndose de manifestaciones artísticas entre otras, los cuales también fueron víctimas de persecuciones y censuras. Este es un pequeño recuento de lo que generó en gran medida el surgimiento de estos movimientos. Es necesario tener en cuenta el contexto histórico para lograr entender la motivación de GINSBERG y los movimientos que influyeron su trabajo, partiendo de esto se puede apreciar que aullido resulta un grito de inconformismo, su crudeza refleja una realidad que las personas prefieren ignorar, es una bofetada a quienes viven una realidad falaz y manejan la doble moral, contra la opresión y la censura a sectores de la población norteamericana. La vida en la ciudad que nunca duerme no resulta ser el anhelado sueño americano, por el contrario es una realidad que crece e inunda las calles de Nueva York, realidad que pretender censurar y maquillar, mostrando la imagen de majestuosidad y progreso de la metrópolis norteamericana. Al estar este aullido influido por movimientos que de igual forma refutan las conductas de los gobiernos y a este progreso fruto de las mismas guerras, mientras la potencia vende un dulce y maravillosos sueño americano, la vida en las calles se hace más dura, el consumo de drogas y las problemáticas que se generan por las conductas humanas, el pluralismo social y las nuevas tendencias vanguardistas dan paso a mas movimientos artísticos.

ARTE POP

EL BUDISMO ZEN

EXPRESIONISMO ABSTRACTO

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CUBA

Cuba es alegre, Cuba es vistosa, Cuba es pobre, Cuba sufre, Cuba calla, pero Cuba es sobre todo un ejemplo, repito una y mil veces, de gran DIGNIDAD para muchos pueblos del mundo.

He llegado a Cuba.

Aquí está la paradoja cubana: en medio de todas estas dificultades, a diferencia del resto de los países latinoamericanos, en Cuba ningún niño muere de hambre, ningún niño muere por abandono, ningún ser humano se acuesta sin algo en el estómago, todos tienen acceso a la salud, a la educación, al deporte y las oportunidades se reparten por igual. Lo difícil es que todos o casi todos tienen muchas carencias y no se benefician directamente de los adelantos tecnológicos con los que contamos otros, pero nadie carece de lo fundamental y todos tienen una vida digna, si por dignidad entendemos que se vive con las necesidades básicas cubiertas.

A pesar de haber sido un pueblo desautorizado, durante mucho tiempo, con la complacencia de sus dirigentes, por su vecino del norte, encontraron la forma -no fue la mejor y no la alabo, pero fue la que surgió en ese momento- de sacudirse y decir ¡basta! Se quitaron de encima una dictadura opresora y una humillación extranjera sin límites, e iniciaron la búsqueda de un camino propio. No encontraron un camino sembrado de pétalos, sino uno lleno de laberintos, espinas y trampas que fue creando confusión en sus dirigentes, quienes después de haber conseguido lo impensable, erraron el camino y aislaron a su pueblo. Le taparon la boca, coartaron sus libertades y con el tiempo se volvieron tan opresores como lo habían sido sus adversarios.

Música

La otredad en la música cubana estaban salas se encargo de mantener el son cubano vivo de músico que no era popular él se encargaba de darle al pueblo la música como arte llena de sentimientos de diversas raíces encontradas en una sola persona.

Cuba, cuna del son, del bolero, de la charanga, de la salsa, del danzón... cuánta música maravillosa hay en Cuba, y ni que decir de sus intérpretes... desde el inolvidable Bola de Nieve... hasta Celia Cruz, pasando por tantos y tantas otras nos han deleitado y alegrado con sus canciones.

Grandemente influenciada por las raíces africanas de la nacionalidad cubana, la música de este país caribeño tuvo un gran desarrollo gracias a los músicos populares "pardos y morenos", responsables de su africana.

En las Músicas Folklóricas Cubanas, producto de la síntesis de elementos de antecedentes africanos y euroasiáticos, se impusieron las primeras, porque durante siglos la población de origen africano fue el estrato básico "folk" de nuestra sociedad. En la época en que surge la nacionalidad cubana, dicha población constituía más de la mitad de los habitantes de la Isla y controló durante siglos la profesión de músicos, una de las poquísimas posibilidades de ascensión social de que disponían las clases libres de origen africano durante el régimen esclavista.

"Los músicos populares pardos y morenos fueron los grandes artífices de la música folklórica cubana y los responsables de su africanía", como escribiera el maestro y tercer descubridor de Cuba, Fernando Ortiz, uno de los grandes investigadores de la cultura de esta isla caribeña.

Toda música tiene una significación social; de la sociedad recibe sus voces, instrumentos, timbres, tonos, ritmos, melodías, géneros y estilos, y sólo en la sociedad está su resonancia humana. El arte del negro es un arte transido de socialidad. El negro africano, procedente de diversos grupos culturales, estaba influyendo básicamente en la música y en el baile, en el uso del lenguaje y en la imaginería popular.

Dando inicio en a mi viaje con el objetivo de encontrar el significado de la otredad en las artes plásticas y la música expresiones culturales de nuestro continente , tomo como punto de partida a Cuba; tomando como referente el reconocimiento que tiene la expresión música de cuba en el mundo.

LA OTREDAD EN EL ARTE CUBANO

Las artes plásticas en Cuba, Puedo decir que su desarrollo no se hizo tan evidente en los siglos antes del XIX. La falta de apoyo y cambio de gobiernos, no permitió el amplio desarrollo de la pintura, sin embargo en 1818 se forma la Escuela Gratuita de Dibujo y Pintura creada por Alejandro Ramírez director de la sociedad económica de Amigos del país. Solo hasta las primeras décadas del siglo XX la pintura cubana renace y se forman nuevas escuela que trajo como resultado exposiciones en diferentes ciudades como New York y París.

En las artes pictóricas de Cuba, se destacan pintores como Wilfredo Lam, René Portocarrero, Amelia Peláez y Carlos Enríquez, esta se comienza a destacar a inicios del siglo XX.

En la historia del arte cubano, esta el pintor  Nicolás de la Escalera, el se dedicaba a realizar trabajos  de copia o retratos de figuras religiosas específicamente católicas ya que estas eran traídas por los españoles, la presencia de la Otredad en la obra de arte de este pintor se hace evidente en la Pintura, cuando realiza por primera vez,  la imagen de un negro, como elemento inmerso en   su cultura cubana, en una de las pechinas (conchas) de la cúpula de la Iglesia de Santa María del Rosario, así se presenta la cultura africana inmersa en la cultura cubana

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LA OTREDAD EN MI VIAJE POR COLOMBIA

COLOMBIA

CULTURA: TRADICIÓN Y VANGUARDIA

Una gran diversidad de culturas habitó nuestro territorio antes de la llegada de los españoles, algunas tan avanzadas y sofisticadas como las que produjeron la estatuaria de San Agustín en el Huila, las tumbas de Tierradentro en el Cauca, o la Ciudad Perdida (Buritaca 2000) en la Sierra Nevada de Santa Marta.

Con la Conquista y la Colonia, llegaron los blancos europeos de España, quienes a su vez trajeron esclavos de África. Es por ello que Colombia es un país multiétnico y pluricultural, donde cada región posee rasgos propios que la distinguen de sus vecinas.

Así, se puede hablar de una cultura andina, en la que se siente con mayor fuerza el ancestro europeo; de una cultura Caribe, amalgama de herencias indígenas y africanas; de una cultura Pacífica, de raigambre africana y de la cultura de la Orinoquía y Amazonía, esencialmente indígena.

La gran diversidad cultural habitó el territorio nacional antes de la llegada de los españoles.

Este complejo mestizaje encuentra su expresión no sólo en las tradiciones, artesanías y gastronomía colombianas, sino también en sus artes desde la arquitectura, la pintura y la escultura hasta la literatura, el cine y la fotografía, pasando por la música, la danza y el teatro.

Colombia es el hogar de más de 87 pueblos indígenas que usan 64 lenguas nativas pertenecientes a 22 familias lingüísticas; también, de varios millones de afrocolombianos; de más de 30 millones de mestizos; de 12 mil gitanos y de núcleos de inmigrantes en diferentes regiones. En el archipiélago de San Andrés y Providencia, la población mayoritariamente raizal habla inglés.

LA OTREDAD EN LA CONQUISTA

El otro es igual a mí en un sentido analógico, es decir, en algo somos iguales y en algo somos diferentes, como la analogía (la analogía nos dice que si hay relación analógica es porque hay una cierta identidad y una cierta diferencia entre dos entes o cosas). Sin embargo, esto no fue precisamente lo que sucedió en la Conquista de América, en la concepción errónea de que el otro no es igual a mí, sino que es inferior, un homúnculo, un hombre pequeñito, como lo consideraba Juan Ginés de Sepúlveda en su Tratado de las justas causas de la guerra contra los indios. Para este autor español de los tiempos de la conquista, la otredad o alteridad, que se aplicaba en este caso a los indios de América, era vista como un conjunto de bárbaros incivilizados que debían ser sometidos por su bien.

COLOMBIA: EL PAÍS DE CREADORES Y DE FIESTAS

Nuestras artesanías típicas son apreciadas en el mundo entero: la mochila arhuaca de la Sierra Nevada de Santa Marta, el sombrero vueltiao de las llanuras cordobesas, la hamaca de San Jancinto en Bolívar, los objetos de barniz de Pasto en Nariño, la cerámica de Raquira en Boyacá, son algunos ejemplos de creaciones populares que compiten en belleza con las obras del arte llamado culto.

La música colombiana posee una enorme variedad. La de la región andina, de herencia hispánica, se apoya en los timbres de la guitarra, el tiple y la bandola, pero hacia el sur del país se enriquece con las flautas y tambores de las chirimías.

En todas las regiones, la alegría del pueblo colombiano se percibe en sus fiestas, ferias, carnavales y festivales culturales.

En la costa Caribe se ha impuesto desde hace décadas el Vallenato sobre ritmos más ancestrales como la cumbia y el bullerengue y en Santa Marta, Barranquilla y Cartagena cobran fuerza la champeta.

La música afro de la región pacífica, con sus currulaos y alabaos, basa su fuerza en los tambores y la marimba, con un acento melancólico de origen indígena. Los grupos indígenas de la Amazonía cuentan con las flautas yuruparí y los tambores maguarés, ambos sagrados.

MÚSICA

Podemos dividir la música colombiana en cuatro regiones:
la de costa del Atlántico, la del Pacífico, la región andina y la de los Llanos Orientales. La música del Atlántico o del Caribe, tiene ritmos calientes propicios para el baile como la cumbia, el porro y el mapalé. La cumbia se acompaña especialmente con el instrumento llamado guacharaca.

La música del Pacífico con cierta influencia española, tiene ritmos como el currulao, en el cual predominan los tambores.

La música de la región andina también tiene influencia española. Tenemos los ritmos de bambuco, pasillo, guabina, torbellino, etc., todos interpretados con instrumentos de cuerda o con piano.
Nota: Hay una gran diferencia con la música andina del Ecuador, Bolivia y Perú.

La música llanera se oye en general interpretada con arpa, cuatro y maracas.

Además de estas formas tradicionales, hay dos estilos de música que son muy populares en todo el país. Estos son la salsa y el vallenato. 
Cali se conoce como la capital de la salsa.

El vallenato, ritmo conocido desde hace muchos años, y proveniente de La Guajira y del Cesar, es muy popular actualmente y se interpreta con acordeón vallenato (de botones) y otros instrumentos.

ARTES PLÁSTICAS

La pintura y escultura colombianas se dividen en periodos que comienzan con las culturas indígenas, y que se acercan a los modos de pensar de los pueblos originarios de América y a su forma de concebir el mundo, lo sagrado, la naturaleza y la sociedad.

El periodo colonial muestra la fusión cultural indígena colombiana, el aporte africano y el arte europeo religioso de la época.

Las artes plásticas colombianas del siglo XIX no se independizaron de las concepciones estéticas coloniales por completo, aunque a finales de esa centuria aparecen los primeros intentos academicistas. En 1886 se abrió la Escuela Nacional de Bellas Artes, entidad que formó a la mayoría de los artistas de comienzos del siglo XX.

Los Lanceros del Pantano de Vargas o Monumento a los Lanceros es un monumento erigido por el artista colombiano Rodrigo Arenas Betancur en el departamento de Boyacá (Colombia) como homenaje a la batalla del Pantano de Vargas ocurrida el 25 de julio de 1819.

El artista Alfredo Vivero, logra descifrar el sentido del color en las culturas precolombinas, descubrir que lo mítico y lo mágico son metáforas de la existencia, referentes del ser en su relación cotidiana con el cosmos. Cuestiona la mirada limitada, sesgada y prejuiciada hacia las culturas indígenas. «El conocimiento del pasado americano nos permite saber que muchas de esas culturas llegaron a desarrollarse tanto como cualquiera de las grandes culturas del mundo que han sido paradigma y canon del comportamiento humano», señala Alfredo Vivero.

LITERATURA COLOMBIANA

El mayor interés del Costumbrismo era retratar la sociedad colonial por medio de sus costumbres. Los costumbristas se ocuparon de señalar los rasgos generales de una cultura, de un pueblo o a través de uno o varios de los personajes de sus relatos. En muchos casos, se asumió una postura crítica frente a la sociedad o el gobierno de turno. También en otros casos, se pretendía entrener o mostrar el colorido y la gracia de una sociedad. Además de ser unas de las más grandes figuras, en lo que tiene que ver en ser una dama de compañía esta con las más superficiales mujeres en el mundo, ya que en esa época, se vieron demasiados cambios en la personalidad de aquellas personas pero aquellos creen que pueden descubrir pero es que la verdad esto no tiene nada que ver con el tema.

Una de las novelas costumbristas más importantes es María de Jorge Isaacs.

Los nuevos o los novísimos es un movimiento que contesta con la ironía, los vestigios del romanticismo y del costumbrismo precedente y que abriría las puertas al nuevo siglo, sobre todo en la década de los 20. El movimiento tiene por fundador al poeta antioqueño León de Greiff. Las características de este movimiento son: la negación del pasado, el amor por lo feo, la oscuridad, el romanticismo escondido, y el misterio, entre otras.

El siglo XX avanzaba en occidente al paso veloz de la industrialización, la literatura en Colombia como en Latinoamérica bien pronto se enriqueció con el surgir de movimientos que abrirían el abanico de las letras. De la década de los novísimos, se crea el célebre grupo de Piedra y cielo (1939) con personajes como Eduardo Carranza a la cabeza.

El Nadaísmo, fundado en los años 50 por Gonzalo Arango, fue un movimiento nacido de una época convulsa bajo la sombra de la dictadura militar de Gustavo Rojas Pinilla. Su nombre recuerda absolutamente el nihilismo y el Dadaismo y entre sus precursores están José María Vargas Vila y Fernando González.

Todo ese caminar literario en Colombia, así como en todo el mundo hispanoamericano, llevaría entonces a lo que hoy se conoce como el Boom Latinoamericano en la cual Colombia tendría una parte bien importante con el Premio Nóbel de Literatura de 1982 Gabriel García Márquez, el escritor colombiano más reconocido en el mundo entero (sus obras han sido traducidas a numerosos idiomas). Hace parte del llamado realismo mágico y del movimiento de la literatura latinoamericana.

Por el mismo tiempo aparece una figura difícil de ubicar en la historia de la literatura colombiana, Andrés Caicedo. Caicedo no sólo estaba distanciado geográficamente del boom, sino que sus obsesiones eran más cercanas a la cultura relacionada con el cine y el rock n' roll, retratando problemáticas sociales urbanas y juveniles.

En realidad esta generación agrupa una franja amplia y ambigua de escritores, poetas posteriores al Nadaísmo que comenzaron a publicar hacia la década del 70. Poetas como Harold Alvarado Tenorio, Juan Gustavo Cobo Borda, Elkin Restrepo, José Manuel Arango, Juan Manuel Roca entre muchos otros, han sido clasificados en ella, aunque son más las diferencias de estilo, temática e incluso de ideología las que los separan.

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CON MI MOCHILA POR ARGENTINA

ARGENTINA

Su nombre proviene del latin: "Argentum", que podría ser traducido como "tierra de plata"Argentina es un paraíso en cuanto a bellezas naturales, con todos los ingredientes que atraen tanto al viajero en busca de emociones fuertes y aventuras como al turista en general. Desde Tierra del Fuego (con capital Ushuaia) en el extremo sur hasta las majestuosas cataratas de Iguazú, en la frontera con Paraguay y Brasil, presenta todos los escenarios naturales imaginables.

HISTORIA DE LA REPÚBLICA ARGENTINA

Los primeros pobladores del actual territorio argentino se remontan a 11.000 años a.C. (hallazgos en Piedra Museo, provincia de Santa Cruz). Entre los pueblos indígenas, los cazadores y recolectores habitaban la Patagonia, la Pampa y el Chaco; y los agricultores estaban instalados en el noroeste, Cuyo, las Sierras de Córdoba y más tardíamente, en la Mesopotamia. Tastil, en el norte, fue la ciudad precolombina más grande ubicada en el actual territorio argentino, con una población de 3.000 habitantes.
En los siglos XIV y XV el Imperio Inca conquistó parte de la actuales provincias de Jujuy, Salta, Catamarca, Tucumán (su extremo oeste), La Rioja, San Juan, el noroeste de Mendoza y posiblemente el norte de Santiago del Estero, incorporando sus territorios al Collasuyo que era la parte sur del Tahuantinsuyo o regiones del Imperio Inca.
En 1780 se produjo un gran levantamiento indígena con epicentro en el Cusco dirigido por el inca Túpac Amaru II, que abarcó desde el actual territorio argentino hasta el actual territorio colombiano. La mitad sur del actual territorio argentino (Patagonia, excepto algunas zonas costeras y parte de las pampas) permanecieron bajo control de diferentes pueblos aborígenes: principalmente tehuelches y mapuches en la Patagonia y ranqueles en la llanura pampeana hasta el último cuarto del siglo XIX. Asimismo, los territorios de la región chaqueña, no fueron colonizados por los europeos sino que permanecieron habitados por pueblos autóctonos como los tobas, mocovíes, pilagás y wichís hasta principios del siglo XX.

La otredad literaria en Argentina

La literatura ofrece la posibilidad de ver la realidad de un país desde los ojos del otro, que ajeno al ideal nacional no tendrá reparo en señalar sus defectos, sostuvo Cecilia López Badano, investigadora de la Universidad Autónoma de Querétaro, durante su participación en el Primer Congreso de Investigaciones Literarias
Una de las corrientes narrativas que ha tenido más fuerza en la literatura argentina de los últimos treinta años, ha sido la novela histórica. Que la literatura argentina tiene una obsesión con la historia es, a estas alturas, un lugar común de la crítica. Sin embargo, nunca está de más traer a la superficie la relación entre historia y literatura ya que, en este caso, no se trata de un simple problema de redundancia teórica sino de la marca narrativa central de un campo cultural altamente cohesivo. Podríamos decir que la imbricación historia/ literatura constituye un código en el sistema operativo de la literatura argentina y que esa codificación se cumple en una amplia mayoría de los casos.
En gran medida, la escritura literaria corporiza el enfrentamiento entre los discursos historiográficos del liberalismo y del revisionismo. La literatura argentina opera en los resquicios, en los agujeros negros de ese debate: por una parte, re- crea mitos fundacionales con los cuales se legitiman diversas operaciones del campo cultural y de sus agentes; y por otra, construye una gramática narrativa (cara tanto a la Historia como a la Literatura) donde esos mismos mitos sirven de marco de referencia y de molde a las elecciones éticas de sujetos históricos que se validan dentro del mismo sistema discursivo (he analizado esta problemática en otros trabajos). Así, la novela histórica opera dentro de un sistema que se retroalimenta, volviendo siempre sobre sus propias huellas y tradiciones.
En este contexto, cabría preguntarse hasta dónde es posible (y efectivo) intentar una operación escrituraria capaz de insertarse en esa tradición y, a la vez, romper con ella. Esos intentos se han hecho con frecuencia y con variados grados de éxito. Un ejemplo paradigmático es la serie de novelas históricas de Andrés Rivera, donde el eje narrativo es devolverle la voz a los silenciados del discurso hegemónico. Sin embargo, los que hablan en esos textos son siempre figuras históricas que, sin ser predominantes, participan en la construcción de los programas de Estado - Nación del siglo XIX. Si bien son voces silenciadas, por ponerlo de algún modo, sus ecos todavía persisten en los debates historiográficos y su ausencia es, en sí misma, una imposición.

JULIO CORTAZAR

LO FANTASTICO Y LA OTREDAD PARA PODER PERSIBIR LA VERDADERA RELAIDAD SOCIAL

Proveniente de un país que ha cultivado y desarrollado la literatura fantástica, julio Cortázar es considerado como uno de los máximos exponentes de lo fantástico. En realidad, sus obras muestran una inquietud intelectual que va más allá de lo explorado tradicionalmente por este tipo de literatura. La  producción corta zariana intenta mostrar que tan limitada se encuentra le mente del hombre. Es por eso que Cortázar recurre a elementos poco convencionales en la creación literaria para poder vislumbrar lo que está escondido  detrás de los límites de la razón. Cortázar parte de la realidad para escribir sus cuentos, y en su decisión elegir los temas que le parezcan mas adecuados para cada historia que el relata. El cada uno de sus cuentos implica aventurarse en una visión totalmente distinta a la realidad se nota un extrañamiento provocado por sus narraciones insta al lector a buscar nuevas alternativas para explorar la realidad.

VOCES DE LA OTREDAD EN ARGENTINA

La cultura argentina está marcada por el carácter multiétnico y multicultural de su población, el fuerte sincretismo de sus formas de expresión, y una positiva valoración del progreso y la modernidad, en la que se conjugan, no sin conflictos, un sentido dual de pertenencia a las culturas europeas y latinoamericana. El poeta mexicano Octavio Paz dijo una vez que "los argentinos son italianos que hablan español y se creen franceses". Por su parte el escritor argentino Ernesto Sábato ha reflexionado sobre la naturaleza de la cultura argentina del siguiente modo:

"Fracturada la primitiva realidad hispanoamericana en esta cuenca del Plata por la inmigración, sus habitantes venimos a ser algo dual, con todos los peligros pero asimismo con todas las ventajas de esa condición: por nuestras raíces europeas vinculamos de modo entrañable el interior de la nación con los perdurables valores del Viejo Mundo; por nuestra condición de americanos, a través del folklore interior y el viejo castellano que nos unifica, nos vinculamos al resto del continente, sintiendo de algún modo la vocación de aquella Patria Grande que imaginaron San Martín y Bolívar"

El Gaucho Argentino

E l gaucho, constituye un tipo social y un tipo racial que nace del mestizaje entre el español y el indio, su origen se remonta al período colonial en el que se van delineando los caracteres del hombre "criollo”. En el Río de la Plata se caracteriza como un tipo social a medida que surgen las clases ó niveles sociales derivados de la economía ganadera. Etimológicamente, la palabra "Gaucho", deriva de "Huacho”, término quechua que significa "huérfano", ó según otros autores del chilenismo "huaso" ó quizás "guaderío", que quiere decir persona sin ocupación fija, vagabundo. El gaucho, como tipo social posee algunas características propias: rebeldía, amor por la libertad, ideas de la amistad, lucha constante contra el medios. Es por ello que podemos enunciar al "GAUCHO", cómo:

1*.-El Gaucho Pobre:

Aparece en Bartolomé Hidalgo como fruto de las luchas contra los españoles y las desilusiones de las guerras de la revolución.

2*.-El Gaucho Político:

Es el que juzga la situación de las luchas civiles.

3*.-El Gaucho Payador:

La guitarra como instrumento y las reuniones como medio social ubican, pues, el cantor-payador de la poesía gauchesca.

4*.-El Gaucho Amigo:

La amistad es una de las virtudes más preciadas. Los diálogos y las reuniones de parejas gauchescas que distraen su soledad en medio de La Pampa, sirven para fortalecer el ánimo.

5*.-El Gaucho Divertido:

La diversión es un solaz en la ruda vida del gaucho pobre, aliado de la bebida (la ginebra)que apura, muchas veces, para olvidar sus penas.

6*.-El Gaucho Peleador:

Este tipo de hombre ya está habituado a la pelea en la lucha a muerte contra el indio,utilizando el cuchillo y las boleadoras como armas principales.

7*.-El Gaucho Desamorado:

La mujer ocupa un lugar secundario en la poesía gauchesca. Es la "china", que queda en el rancho, mientras el hombre se aleja para cumplir su destino de gaucho matrero.

8*.-El Gaucho Matrero:

Es el gaucho vago y sin trabajo que deambula por zonas fronterizas,lejos de las estancias donde se cumplen dos momentos que se advierten con claridad de la poesía gauchesca.

La música:

El tango

Su origen está ligado a la llegada de inmigrantes de origen europeo a mediados del siglo XIX y la mezcla de culturas que se vivía en el puerto bonaerense en esa época.  El tango es la combinación de influencias de

• • la música de origen africano de donde proviene el ritmo
  • las baladas de los gauchos pamperos
  • las músicas de los inmigrantes europeos de donde vienen los instrumentos como el violín y el bandoneón de origen alemán y que es semejante a un acordeón.

Inicialmente, el tango fue interpretado en los burdeles contando solamente con un violín, una flauta y una guitarra, y en ausencia de ésta, el acompañamiento de un peine convertido en instrumento de viento con la mediación de un papel de fumar y un soplador experto que marcaba el ritmo. El instrumento mítico, el bandoneón, llegó al tango un par de décadas después de su nacimiento, en 1900 aproximadamente, y poco a poco sustituyó a la flauta.

El tango nació pues a mediados del siglo XIX en los puertos de Buenos Aires y de Montevideo y de allí se extendió hacia los barrios del sur. En un principio el llamado "tango arrabalero" era una música y un baile popular sólo entre las clases más humildes.  Era despreciado por las clases altas como un baile vulgar y prohibido por la iglesia por ser demasiado sensual y por incitar a los vicios (lujuria y bebida).

A principios del siglo XX llegó a París donde consiguió un éxito rotundo; desde allí se popularizó en todo el mundo.  A Hollywood llegó de la mano de Rodolfo Valentino.

Las primeras agrupaciones de tango

Los primeros conjuntos que existieron fueron los Tríos, que estaban compuestos por flauta, violín y guitarra. A fines del siglo XIX se sumó el bandoneón. Sin embargo, la realidad marcaba que los conjuntos estaban integrados por la cantidad de músicos que pudiesen encontrar y mantenerse. En un conjunto podía haber arpistas, mandolinistas o pistonistas. Estas agrupaciones cambiaban de elenco constantemente, ya que las empresas solían contratarlos para armar su propia agrupación. El primer conjunto que se recuerda estaba integrado por Sinforoso en el clarinete, y Casimiro Alcorta en el violín, y solían presentarse en prostíbulos alrededor de 1870. A partir del 1900 aparecieron los cuartetos y los quintetos, pero esto no significó la desaparición de los dúos. Con el paso de los años, los pequeños conjuntos se fueron agrupando hasta formar la Orquesta Típica que causó furor en el pueblo.

Indudablemente el tango ocupa un lugar de privilegio en la representatividad de lo argentino en el exterior. Si bien, básicamente, se lo reconoce en tanto que una danza y una música cantable; el tango además contiene un lenguaje particular -el lunfardo-, usos y costumbres determinados, y hasta una filosofía característica que identifica a la gente de tango.

Y, mundialmente hablando, para diferenciarlo de otras formas que deambulan en los salones de baile, se lo reconoce como tango argentino. Fue este último el que dio origen a todos los demás.

La Voz del Tango: Gardel, como emprendió el camino que cambiaría para siempre la historia del tango.

COSTUMBRES ARGENTINAS

MATE

¿Sabías que si te sirven un mate con canela, alguien está "pensando en vos"? ¿Sabías que el Lunfardo es la lengua del porteño y que en estas tierras pasarás por "tipo" o "Mina", pagarás con "guita" y "yirarás" por las calles donde el tango logra vibrar tu corazón?

Aquí te presentamos algunas de las principales tradiciones de este país de ensueño.

La Yerba Mate

Quizás sepamos que la bebida nacional más popular de Argentina es El mate, pero muy pocos conocen su origen. Esta típica costumbre surge del Río de la Plata y los primeros que lo usaron fueron los indios guaraníes, quienes utilizaban esta hierba para preparar la bebida que, según ellos, tenía poderes relajantes.

Cuando los jesuitas se establecieron en la zona que hoy ocupa la provincia de Misiones, mejoraron su cultivo y gracias a ello en esta área se puede encontrar el mejor mate.

En Argentina injerir esta bebida es una costumbre que surge principalmente de los gauchos y es uno de los vínculos que más une a su gente en medio de extensas y amenas conversaciones. Se puede tomar en cualquier momento del día y lo tradicional es que se tome en compañía de otras personas.

Hoy en día, se cuenta con mates de diversos materiales, desde mate de calabaza y madera, hasta de metal y plástico. La gente le ha atribuido a esta infusión diferentes significados y sentimientos basados en su preparación, haciendo un poco más interesante su consumo. Aquí te contamos qué significan algunos de los principales mates:

Mate amargo: Simboliza la fuerza, el valor y la vida.

Mate dulce: (Y espumoso) significa amistad, cariño.

Mate muy dulce: (Cebado o servido por una mujer a un hombre) es muestra de amor, y de interés en llegar al casamiento.

Mate muy dulce y caliente: (Cebado o servido por una mujer a un hombre) Es muestra de amor ardiente, pasión.

Mate lavado: Demuestra desprecio.

Mate con aditivo de canela: Envía el mensaje de interés por el otro ("Pienso en vos").

Mate con cáscara de naranja: Significa "Te esperaré".

Mate largo: Indica desinterés o despreocupación por la persona a quien se le ceba o sirve.

ARTES PLÁSTICAS

La producción artística de la Argentina se encuentra entre las más importantes de Sudamérica, junto a la de México y Brasil. Si bien existen museos y centros culturales diseminados en todo el país, la mayor parte de la actividad se concentra en la ciudad de Buenos Aires.

La pintura y la escultura de Argentina se nutren de estilos novedosos con influencias europeas e indoamericanas. La tercera década del siglo XX representó una etapa fundamental para el desarrollo de la pintura, realizándose grandes acontecimientos relacionados con nuevas orientaciones estéticas. Es por este motivo que el lapso comprendido entre 1920 y 1930 es considerado como el de formación de la pintura moderna argentina, teniendo exponentes como Antonio Berni, Gyula Kosice, fundador del Movimiento Madí, Raúl Soldi; y exponentes de pintura popular como Florencio Molina Campos y Benito Quinquela Martín.

El Museo Nacional de Bellas Artes abrió sus puertas en 1896 y posee una importante colección que abarca, entre otras cosas, una pinacoteca europea con la presencia de importantes personalidades como Rembrandt o Van Gogh.

La historieta argentina también tiene importantes representantes de fama internacional; al menos durante todo el siglo XX, el humor gráfico argentino ha ocupado un lugar preeminente en el género, gracias a artistas como Quino, Guillermo Mordillo y Roberto Fontanarrosa.

También es de destacar la importante tradición de publicaciones de revistas de historietas que han sido muy importantes dentro del mundo de la historieta en español, como es el caso de Fierro.

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LA OTREDAD EN PERU

PERÚ

HISTORIA

Las evidencias del establecimiento de colonias humanas en Perú se remontan a miles de años, pero, exceptuando algunas ruinas dispersas, poco se sabe de esos antiguos pobladores. Hacia el 1250 a.C. diversos grupos que procedían del norte se establecieron en regiones como Chavín, Chimú, Nazca y Tiahuanaco.

Los incas, llamados también ‘hijos del sol’, eran originalmente una sociedad guerrera que vivía al suroeste de la región de La Sierra. Del 1100 al 1300 d.C. se trasladaron hacia el fértil valle del Cuzco, al norte, desde donde fueron invadiendo las tierras vecinas. Hacia el año 1500 habían creado un Imperio que incorporaba a la mayoría de las culturas de la zona y cuyos límites abarcaban desde el sur de la actual Colombia hasta el centro de lo que hoy es Chile, además de Bolivia y el norte de Argentina; el límite oriental llegaba hasta el océano Pacífico. Este vasto Imperio se constituyó siguiendo un modelo teocrático de gobierno en el que los emperadores incas formaban la cúspide del sistema y eran considerados divinidades. Los incas impusieron su estilo de vida a los pueblos que conquistaron y a comienzos del siglo XVI, antes de la llegada de los españoles, la mayor parte de la zona andina estaba bajo su dominio.

Se encuentra representada la otredad

Los Incas desarrollaron un estilo altamente funcional de arquitectura pública que se distinguió principalmente por sus técnicas avanzadas de ingeniería y de trabajo fino de la piedra. El plano de sus ciudades estaba basado en un sistema de avenidas principales atravesadas por calles más pequeñas que convergían en una plaza abierta rodeada de edificios municipales y templos. Las estructuras eran de un solo piso, con un perfecto ensamblado de piedras talladas; también se usaban ladrillos de adobe y paja en las regiones costeras. Para la construcción de grandes monumentos tales como la gran fortaleza de Sacsayhuamán  cerca de Cuzco, unos bloques masivos poligonales fueron ensamblados entre sí con una extraordinaria precisión. En las regiones montañosas, como la espectacular ciudadela andina ubicada en el  Machu Picchu , la arquitectura inca refleja a menudo algunas adaptaciones ingeniosas del relieve natural.

El dominio español

En 1528 el conquistador español Francisco Pizarro realizó una expedición hasta el río Santa, en Perú, reparando en la riqueza del Imperio; posteriormente regresó a España para obtener dinero y reclutar hombres para la conquista.

En 1569 llegó a Perú el virrey Francisco de Toledo; durante los siguientes catorce años impuso un sistema de gobierno estable y altamente efectivo, aunque bastante represivo. El método administrativo de Toledo consistió en dar prioridad a los funcionarios oficiales en los asuntos de gobierno, permitiendo que algunos indígenas ocuparan cargos intermedios y rigieran la actividad del resto de la población nativa. El sistema duraría casi doscientos años.

BAILE TIPICO Y MÚSICA

MARINERA NORTEÑA

La marinera es un baile de pareja suelto, el más conocido de la costa del Perú. Proveniente de la Región de Lambayeque. Es un baile muestra del mestizaje hispano-amerindio-africano, entre otros.

Su origen se remontaría a un baile colonial llamado zamacueca, que era muy popular en el siglo XIX. De todos modos, existen diversas teorías o corrientes sobre su origen y evolución.

Las danzas regionales requieren de diferentes formas de vestimenta, dependiendo del área. En la costa, hay exponentes del baile de la marinera donde reemplazan al algodón por la seda para sus el bordeado de sus faldas. Mientras tanto, en los Andes, los danzantes de tijeras decoran sus finos atuendos con pequeños espejos y bordan en sus espaldas a su deidad.

Huayno

Es el Baile principal de los Andes peruanos. Hay muchas variantes que toman carácter propio según qué región y pasan a llamarse de otra forma: Tunantada, Huaylas, etc... Es de pareja suelta y ya existía con anterioridad a la conquista. Sin embargo cabe destacar la diferencia entre el Huayno mestizo actual y el Wayno indígena, que es probablemente más fiel al original. En Bolivia pasa a llamarse Huayño teniendo sus propias características diferentes.

Hay numerosos estudios profundos sobre el tema, pues al ser el ritmo más importante, es interesante el estudio de las migraciones y adaptaciones musicales a lo largo de toda la zona andina.

El Huayno, expresión de alegría, expresión del espíritu exteriorizado en forma musical poética, constituyó el baile más conocido en todo el Imperio de los Incas, siendo hasta ahora el más tradicional en todos los pueblos de la serranía, y más aun por su gente.

LITERATURA

La literatura peruana tiene su primer vestigio en el taki, término quechua que engloba literatura, danza y música. En los tiempos del virreinato, la literatura fue, básicamente, imitación de la literatura española de la época. Destaca en primer lugar, el Inca Garcilaso de la Vega con sus Comentarios Reales de los Incas. Más tarde, destacaron Juan de Espinosa Medrano en la literatura quechua y Caviedes, el mismo Espinosa y Peralta en la castellana. También e esta época aparece la obra dramática anónima Ollantay.

A partir de la época republicana son varios los exponentes de la narrativa peruana como Felipe Pardo y Aliaga, Manuel Ascencio Segura, pero el mayor literato del siglo XIX fue Ricardo Palma con sus célebres Tradiciones Peruanas. Resalta en el siglo XX la figura del poeta César Vallejo junto a muchos otros vanguardistas como Martín Adán. En la narrativa, Ciro Alegría y José María Arguedas por el indigenismo; y Julio Ramón Ribeyro, Alfredo Bryce Echenique y Mario Vargas Llosa, por la narrativa urbana.

La literatura de este país, así como todas las manifestaciones culturales y artísticas, han pasado por varias etapas, en las cuales fue influenciada por movimientos o corrientes nacionales e internacionales. Los acontecimientos trascendentales de la historia, sirvieron de inspiración a los artistas que plasmaron en su obra el sentir de la época. Se distinguen varios movimientos, de acuerdo con cada época, sus ideas y filosofía.

En este viaje me he encontrado con un personaje que fue de gran reconocimiento en la literatura peruana

CIRO ALEGRIA

Al margen de sus méritos literarios, en sus obras se le recuerda por la otredad se encuentra en su calidad humana y su bonhomía, salpicada de un humor muy peculiar.

Hijo de hacendados ricos y blancos, él se consideraba un cholo serrano, ya que nació en la sierra y convivió durante sus primeros años con indios y cholos, peones y empleados de los inmensos latifundios pertenecientes a su familia. De ese recuerdo de su infancia y de los relatos que oyó entonces nacieron sus grandes novelas indigenistas. De sus padres recibió una educación liberal, que contrastaba con aquel ambiente en que creció.

PINTURA

La Pintura Colonial

Esta se inicia en 1533 con la llegada de los conquistadores. Según registros el primer cuadro realizado es por Diego de Mora, Capitán de milicias y pintor, español. Se le menciona como el precursor de la pintura europea en el Virreinato del Piru (Perú). Nos dejó un retrato del Inca Atahualpa realizado en Cajamarca, así figura en el Diccionario Benezit y en el diario de doña Inés Muñoz, esposa de Martín de Alcántara, medio hermano del conquistador Francisco Pizarro, allí se lee:  “... 1533, Mayo, nuestro amigo el pintor Diego de Mora a terminado un retrato del Inca, no se le parece mucho, Atahuallpa en persona luze más jóven, tiene muy buena estampa a sus 33 años, la misma edad de Christo...”. (sic). La pintura en el virreinato floreció con los pintores italianos llegados a Lima: Bernardo Bitti, en 1575; Mateo Pérez de Alessio, en 1588 y Angelino Medoro, en 1600. Se instalaron grandes Talleres de Enseñanza donde se formaron pintores, posteriormente maestros, como: Lázaro Pardo de Lagos, Gregorio Gamarra, Luis de Riaño y junto con ellos algunos pintores indígenas que aprendieron el arte europeo los que dejaron escuela, la misma que fue desarrollada por artistas criollos, indígenas, negros y mestizos.

Otro tipo de pintor y según documentos, eran los encarnadores indígenas, la encarnación en las tallas aún perdura en el tiempo.   La pintura colonial cusqueña y limeña, llegó a otros continentes, se producen obras a gran escala y en grandes obradores, (talleres) las que salen por encargo a diferentes ciudades del virreinato y al extranjero. El Arte Peruano, en todas sus manifestaciones, sigue siendo un tesoro para la humanidad, por su calidad y belleza, así se demuestra con el Señor de Sipán y con Machu Picchu, elegida como una de las 7 maravillas del mundo moderno.

ARTE

Perú alberga una de las más extensas variedades de artes y artesanías del mundo. Tierra de grandes artesanos que se han comunicado a través de su arte y logrado sobrevivir años de dificultades económicas, inestabilidad política e insurgencia armada que marcó sus vidas y la historia del Perú hasta años recientes. Como consecuencia de esto, también el turismo dejó de afluir, limitando su mercado y amenazando por tanto la base misma de su supervivencia. Artistas que han preservado la identidad cultural Peruana, cargada de símbolos y deidades que más tarde se fundieron con la iconografía religiosa traída al Nuevo Mundo por los conquistadores y la Iglesia Católica.

El arte andino no se expresó en las formas en que lo hizo el arte europeo. Así, el arte andino más que expresarse en la Pintura y la Escultura, tuvo sus canales de creación en la Cerámica, la Litoescultura, la Metalurgia y la Texilería. Ello se debe a que el arte en las sociedades andinas prehispánicas no tuvo como origen el simple placer estético, o el "arte por el arte", sino respondió a razones políticas y religiosas. Así, sus muestras son valiosas fuentes sobre la estructura social, política, económica y sobre todo, ideológica de las sociedades que lo crearon.

Cerámica

Huaco retrato Mochica, fino ejemplo de la cerámica prehispánica peruana museo larco, Lima-Perú La cerámica es el material más frecuente en el registro arqueológico andino y fue el medio preferido de los artesanos prehispánicos por su versatilidad, ya que mediante su confección se satisfacían tanto necesidades domésticas como rituales.Los estilos más reconocidos de cerámica prehispánica se asocian a culturas andinas y entre ellas encontramos: Paracas, Nasca, Moche, Wari, Tiahuanaco, Chimú e Inca.

Litoescultura

La litoescultura (o escultura en piedra), tuvo presencia en las manifestaciones culturales y artísticas en las Chavín de Huántar, ubicado en el Callejón de Conchucos (Huari, Ancash). Este templo fue el primer centro de devoción a nivel panandino, sostenido por un Estado eminentemente teocrático. Por tal motivo, la presencia de la imaginería religiosa fue vital en su organización. El templo tiene dos fases: Templo Nuevo y Templo Viejo.

Textiles

Los textiles precolombinos fueron elaborados con técnicas muy creativas y sofisticadas, tanto por la finura de sus hilos, sus colores, la trama y urdimbre de sus tejidos, y los motivos en ellos representados. En su mayoría, estos textiles recrean el mundo natural prehispánico y sobre todo su universo mental, y nos aproximan a sus riquezas naturales e ideológico-culturales, así como al uso que le dieron las sociedades que lo crearon.

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MÉXICO II PARTE

CULTURA

La cultura de México es en realidad un mosaico de culturas. En lo que se ha dado en llamar lo mexicano confluyen elementos culturales de la más diversa índole: ya los modernos, los antiguos, los reciclados. La forma de vida en México incluye muchos aspectos de los pueblos prehispánicos y del período colonial. La población de México se siente muy orgullosa de su país, cultura, etnicidad y estilo de vida. Otros aspectos importantes de su cultura, son los valores, la unidad familiar, el respeto, el trabajo duro y la solidaridad de la comunidad.

México ha cambiado rápidamente durante el siglo XX. En varias formas, la vida contemporánea en las ciudades, ha llegado a ser muy similar a la de las ciudades en los Estados Unidos y Europa. Sin embargo, la mayoría de los pueblos mexicanos siguen la forma de vida de sus antepasados. Las áreas urbanas más grandes son la Ciudad de México, Guadalajara y Monterrey.

CORRIDO MEXICANO:

Los corridos son de generación espontánea, creaciones ingenuas, populares de autores anónimos. Son además formas cantables, al compás de las guitarras.

Hay corridos con temas amorosos, crónicas de sucesos naturales, y desde luego relatos de hechos históricos que vienen desde los días de la Independencia, hasta la conclusión de la Revolución Mexicana, pasando por los episodios conocidos con el nombre genérico de la Reforma cuando aparece la figura gigante de Benito Juárez, la exótica del Emperador Maximiliano, el perfil de los invasores franceses y el triunfo de la República.
El corrido es una forma musical y literaria popular del área cultural mestiza mexicana, en que ha establecido una de las formas de transmisión más importantes de los sucesos galantes o heroicos de la Revolución Mexicana y ha tenido un impacto significativo. Derivado a lo largo del siglo XVIII del Romance, forma popular traída de Europa, en su forma mejor conocida consiste de:

1. Un saludo y presentación del cantor y prólogo de la historia;
2. Desarrollo de la anécdota;
3. Moraleja y despedida del cantor.
4. Debe tener de 8 silabas en adelante

Mediante el corrido el pueblo recoge, difunde y perpetúa las noticias que le afectan, cantándolas en verso asonantando con el acompañamiento de la guitarra y otros instrumentos variados.
Actualmente los corridos son usados para contar relatos de tipo amorosos, hazañas deportivas, historias de narquillos de tercera y borrachales, se componen corridos con fines de lucro (enaltecer la carrera política de candidatos de partidos políticos). En contraste del corrido mexicano, que es la crónica de un acontecimiento determinado, la canción ranchera aborda aspectos sentimentales y románticos.

RANCHERA MEXICANA

La Ranchera es un género musical popular de la música mexicana, su origen aproximadamente del siglo XIX, pero fue desarrollado en el teatro nacionalista del período post-revolucionario de 1910 y se convirtió en el ícono de la expresión popular de México, un símbolo del país, que fue difundo con gran éxito por varios países latinoamericanos especialmente gracias al cine mexicano de las décadas de 1940, 1950 y 1960, causando profundo arraigo entre los sectores populares y medios.
Los cantantes profesionales de este género desarrollaron un estilo extremadamente emocional.
En cuanto a las letras, predominaron en un comienzo las historias populares relacionadas con la Revolución mexicana, la vida campesina, los caballos, la familia, los bares y cantinas y las tragedias amorosas. Posteriormente las temáticas se han centrado especialmente en el amor de pareja y como sucede con todo ritmo que se "internacionaliza", su capacidad para contar historias populares se ha debilitado por cuenta de la presión de los productores musicales.
Las rancheras han llegado a ser uno de los géneros más representativos de la música latinoamericana, evolucionando desde el escenario local y campesino hasta la conquista internacional.
Representantes famosos del género han sido por ejemplo Jorge Negrete, Pedro Infante, Tito Guízar, Miguel Aceves Mejía, José Alfredo Jiménez,Javier Solís, Antonio Aguilar (años 30-60) y en las décadas de 1970-90 Vicente Fernández y su hijo Alejandro Fernández.Entre las damas, se destacan Lucha Reyes, Lola Beltrán, Lucha Villa, Amalia Mendoza "La Tariácuri" , Chavela Vargas y la cantante española Rocío Dúrcal.

Bar La Ópera: el café donde vive el recuerdo de Pancho Villa

El Bar La Ópera es uno de los lugares más tradicionales que se puede encontrar en el casco histórico de la ciudad. Según cuenta la leyenda, sobre el techo de la sala principal, reposa un agujero de bala efectuado por el mítico Pancho Villa en épocas de la revolución.

Fotografía. Nicolás Pasiecznik

ESCRITOS Y ESCRITORES

OCTAVIO PAZ

Octavio Paz Lozano (Ciudad de México, 31 de marzo de 1914 - ; 19 de abril de 1998), fue un poeta, escritor, ensayista y diplomático mexicano, premio Nobel de Literatura (1990). Es considerado uno de los más grandes escritores del siglo XX y uno de los grandes poetas hispanos de todos los tiempos.Era un escritor prolífico cuya obra abarcó varios géneros, entre los que sobresalieron textos poéticos, el ensayo y traducciones

Otredad en su obra:

Salamandra es un libro de poesía del escritor Octavio Paz, publicado en (1962), es uno de sus textos más surrealistas.

Según Pere Gimferrr: la poesía de Paz encarnaba como pocas aquello que, en el momento presente, podía justificar aún la existencia misma de la poesía como género literario. Hablo de una doble justificación: estética y moral. Hablo, pues, de una razón de ser.

PINTURA

Daniel Lezama tiene la experiencia de la otredad como punto de partida. No es una meta, es algo de lo que se parte. A la experiencia de la otredad no se llega sino se viene de ella. Es una combustión lenta, interna, como en el poema "Salamandra" de Octavio Paz, donde el anfibio encarna esa experiencia, pues la salamandra es "una u otro"; geometría abstracta de la experiencia de la otredad. Daniel Lezama pasó su infancia en un lugar de Tejas. México fue desde entonces lo otro. Lo otro que es él. No su parte enemiga, con la cual buscaría conciliarse naturalmente. No su otro yo. Ni alter ego ni subego. Tampoco el uno unitario sino el uno que se reproduce. Así, México es visto he imaginado en sus aspectos diversos y sus rasgos singulares. Esto en pinturas donde el claroscuro nos dirige al mito de la caverna. En obras en las que diversas tradiciones pre modernas y postmodernas se amalgaman y sintetizan; con ese naturalismo que escapa a la sentimentalidad embustera de los nacionalismos y señala su diferencia. Lo mexicano, no como una máscara, sino como una desnudez pervertida.

La expresión virtuosa no carece de espontaneidad. Pues estos cuadros no siguen proceso previo. Ni boceto ni idea. El concepto se revela en la superficie del lino, maestría que concibe sus instrumentos y sus materiales como extensiones del cuerpo, de su imaginación. Daniel Lezama no centra su eficacia en la temática ni en el sustrato discursivo de la voluntad de representación, porque, en todo caso, como el poeta, presenta lo que muestra: el pulso ontológico de una realidad identitaria que fascina, sorprende, exacerba e incita a ser vista, a convertirse en color, forma, volumen, luz, sombra. Las composiciones de Lezama no buscan resaltar la temática sobre lo mexicano, ni generar un relato; su narratividad tiene que ver más con lo dramático, en su sentido etimológico de acción. Porque siempre en sus cuadros algo sucede. El espacio es tiempo que transcurre. La mirada transcurre en ese momento de percepción directa. No son obras en busca de su espectador, sino acciones que atraen la mirada generando una experiencia hecha de referentes diversos.
Daniel Lezama entiende la pintura en su contexto actual y no padece el vértigo de la plástica frente a lo visual ni viceversa, pues su capacidad de expresión trasciende los falsos lindes del arte contemporáneo. La intención de Daniel Lezama en sus pinturas es clara: sus personajes significan, no son símbolos estáticos sino signos en constante metamorfosis. Hay una realidad señalada que los motiva, una fabulación que los recrea: de esa manera queda abolido el discurso de la razón y brota lo irradiante que está en los aspectos menos agradables del espíritu, en su espacio mexicano.

Cómo entender entonces obras como "La pequeña noche mexicana" o "El manantial", sino como imágenes posibles, potenciadas del mismo modo en que los mitos, locales o globales, están presentes en la diversidad de la vida diaria. Y es en ésta donde se dice con frecuencia que uno "se va a morir en la raya". Lo que en la obra y la experiencia de Daniel Lezama se parodia diciendo: "morir en la imagen”. Para renacer en ella.

LOS MURALES DE DIEGO RIVERA Y EL PALACIO NACIONAL

El Palacio Nacional es uno de los sitios del DF al que nadie que se encuentre de visita en la ciudad de México puede dejar de asistir. Hoy, el edificio funciona como la sede del Poder Ejecutivo Federal, pero en realidad, su construcción y su importancia se remontan a los primeros tiempos de la historia mexicana. En épocas en las que el actual territorio de la ciudad era la imponente urbe de Tenochtitlán, en el mismo espacio que hoy ocupa el palacio, estaba asentado uno de los más importantes aposentos del emperador Moctezuma.

En 1563, se construyó el edificio tal como se lo ve en la actualidad y en el período de la conquista, Hernán Cortés lo utilizó como lugar de residencia durante el tiempo que duró su estancia en México. Es por eso que, teniendo en cuenta la riquísima historia que aconteció en cada uno de sus rincones, no es casual que Diego Rivera (uno de los tres grandes muralistas que dio México junto a Siqueiros y Orozco) se decidiera por él para plasmar en las amplias paredes, los hechos más relevantes que hicieron a la historia del país.

Los trabajos comenzaron en el año 1929 y los acabó en 1951, exactamente veintidós años más tarde. Como obra final, en las gigantescas paredes del Palacio, Rivera dejó una excelente iconografía en la que cubrió el período histórico que va desde el auge de la cultura precolombina (con especial énfasis en escenas de la vida cotidiana que sucedían en Tenochtitlán y Teotihuacán) hasta la modernidad, pasando por los oscuros años de la conquista, el Porfiriato y la Revolución.

1. Este fragmento del segundo mural del patio del Palacio, representa una escena en la que se puede ver el esplendor del imperio azteca. En primer plano, aparecen el emperador y un sacerdote en actitud de aparente preparación para un sacrificio. A un costado de ellos, se encuentran los ciudadanos comunes rodeados de elementos de la vida cotidiana (tales como alimentos, mascotas y utensilios). Al fondo, los soldados dispersos entre las Pirámides del Sol y de la luna demuestran la grandeza del imperio.

2. En esta imagen, Rivera recrea el desembarco de Hernán Cortés en la Ciudad de Veracruz. En ella se pueden observar, la inclusión del elemento extranjero en la vida cotidiana y los primeros sometimientos a los que redujeron a los indígenas. En el centro de la pintura, en perspectiva, pueden verse diferentes grupos de indios realizando tareas para las cuales no estaban acostumbrados tales como la excavación en busca de metales, el arado de la tierra o la construcción de viviendas en las que luego habitarían los conquistadores.

3. Primera iconografía bélica de la obra de Rivera, en la que de algún modo el pintor vaticina las rencillas posteriores que surgirán entre criollos y aborígenes. Sobre la margen superior izquierda puede verse una mano que se asoma desde afuera elevando una cruz como símbolo de la evangelización cristiana. Al fondo, los indígenas, totalmente sumidos en la dominación de los nuevos dueños del territorio, cavan pozos en la tierra sin oponer resistencia.

4. Este mural representa uno de los períodos más negros de la historia moderna de México: el Porfiriato y los albores de la Revolución. Sobre un costado, Porfiro Díaz (con la banda presidencial tricolor y guantes blancos) empuña un sable haciendo alarde de su poder. De frente, los campesinos armados y con Emiliano Zapata y Pancho Villa a la cabeza, contrarrestan la sarcástica demostración de poder del dictador, levantando el Plan de San Luis de Potosí de 1905 y el registro de algunas de las movilizaciones que propiciaron el terreno para la Revolución. En el centro de la imagen, unos hombres sostienen un cartel rojo con letras blancas en el que se puede leer “Tierra, libertad y pan para todos” (eslogan abiertamente comunista) y sobre el fondo, una mordaz crítica al capitalismo, representada por las fábricas humeantes con nombres extranjeros.

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BITACORA DE VIAJE

MÉXICO

Salgo de Colombia rumbo a una serie de actividades organizadas sin dejar mi mochila tricolor. El recorrido por México va ser  espectacular, me adentrare en medio de la historia, música y arte hasta llegar a  la tupida vegetación de la aldea maya donde seré recibida por las comunidades locales.

Historia

Época precolombina

Civilizaciones avanzadas como la olmeca, tolteca, purépecha, azteca, o mexica y la maya y ciudades-estado como Tlaxcala, el Reino de Colimán o Tenochtitlan se establecieron y desarrollaron en el altiplano del territorrio actual del país en diferentes épocas desde aproximadamente 1250 a.C. y hasta poco después de la llegada de los primeros exploradores españoles a América.

En 1519, Hernán Cortés llega a la isla de Cozumel y desde allí comienza su incursión en el actual territorio mexicano, que resultó eventualmente en la derrota del imperio azteca o mexica, a manos de Cortés y sus aliados en 1521. Se funda entonces una vasta colonia del Imperio Español que se llamó La Nueva España, y que posteriormente fue ampliando su territorio con exploraciones y conquistas de Cortés y otros exploradores españoles hasta abarcar gran parte del sur del actual territorio de Estados Unidos.

Tras 300 años de dominio colonial, y después de una guerra de más de 10 años iniciada con la arenga de Miguel Hidalgo el 16 de septiembre de 1810 y culminada con la entrada del ejército trigarante a la Ciudad de México el 27 de septiembre de 1821, México obtuvo su independencia.

Durante casi todo el siglo XIX el joven país afrontó rebeliones, invasiones (española, estadounidense y francesa), secesionismo (Texas y Centroamérica), la desmembración de la mitad norte de su territorio (Guerra México-Estados Unidos), dictaduras (Antonio López de Santa Anna, Porfirio Díaz) y pugnas con la iglesia católica. En el hemisferio sólo México y Brasil han desarrollado sus propias monarquías en distintas etapas de su historia independiente.

A principios del siglo XX una revolución de corte social sacudió al país, de la cual salió triunfante un grupo liberal que estuvo entre los que votaron el 5 de febrero de 1917 una nueva Constitución Política de los Estados Unidos Mexicanos, y formó en marzo de 1929, el Partido Nacional Revolucionario. Este partido político fue el antecedente del Partido Revolucionario Institucional PRI y los presidentes emanados de ese partido gobernaron por más de setenta años.

YA HE CUMPLIDO UNA DE MIS METAS HE CONOCIDO LA HISTORIA DE MÉXICO AHORA CONTINUO EN ESTE GRANDIOSO VIAJE POR EL ARTE Y LA MÚSICA DE ESTE GRAN PAÍS

ARTE Y MÚSICA

El muralismo mexicano

Al muralismo mexicano le corresponde una actitud ideológica. En cierto modo, ésa es también su característica primordial. Sea como fuere, este matiz puede olvidarse cuando consideramos la formidable categoría pictórica de los autores que formaron esta corriente artística.

Lo que importa en la pintura mural mexicana, dejando aparte la belleza estética de muchos de sus logros, es la reivindicación indigenista y social, plasmada en soportes monumentales para su total entendimiento por parte de las clases populares.

No cabe duda de que esta corriente artística es un fruto de la Revolución Mexicana y, más en concreto, de las proclamaciones de socialización del arte lanzadas por estetas e ideólogos revolucionarios.

Frida Kahlo

Nacida en Coyoacán en 1907, desde sus primeros intentos en la pintura se caracterizó por composiciones referidas a ella misma. Frida fue siempre el tema central de su obra, ya que su vida se transforma en la vivencia cotidiana y difícil de limitaciones físicas que fueron volviéndose más graves. La sensibilidad de Kahlo enmarcó una obra llena de sentimiento, metáforas y encuentros consigo misma y su dolor. (foto: Libbyrosof)

Entre su prolífica obra se encuentran, "Autorretrato con Traje de Terciopelo", 1926; "Frida Kahlo y Diego Rivera", 1931; "Autorretrato con Collar", 1933; "Diego en mi pensamiento", 1933, "Frutos de la Tierra", 1938; "Las dos Fridas", 1939, "Raíces, 1943".

José María Velasco

nacido en el Estado de México, es uno de los pintores y paisajistas reconocido por su inspiración en el México campirano provincial, al que aprendió a pintar con mucho esfuerzo debido a sus carencias económicas. Sin embargo, Velasco logra ingresar a diversas escuelas de arte de las que obtiene la definición técnica del dibujo que sostendrá el resto de su carrera para ofrecer obras como "Un Paseo en los Alrededores de México", de 1866, "El Panorama del Valle de México, 1875", "México", 1877, "Paisaje de Metlac", de 1881, "Hacienda de Chimalpa" de 1883.

MUSICA

Música folclórica de México

Como toda la cultura del país, la música de México es fruto del mestizaje que se dio entre las tradiciones europeas, americana y africana, entre otras. La música mexicana es sumamente variada e incluye diversos estilos determinados por la región geográfica de proveniencia, así por las diferentes épocas de desarrollo.

Muchas de las canciones más famosas y tradicionales de México son conocidas en todo el mundo, aunque el origen mexicano de esas composiciones a veces no es claro para quien no está familiarizado con la cultura mexicana. Algunos ejemplos de canciones mexicanas famosas más allá de las fronteras del país son: "Bésame Mucho", "Cucurrucucú Paloma", "Amor, Amor, Amor", "Solamente una vez", "Somos novios", "Guadalajara", "El Rey", "Amorcito Corazón" y algunas más. Se ejecutan varios tipos de instrumentos musicales (algunos poco usados) de origen indígena (huehuetl, teponaztli) o mestizo (guitarrón, marimba), además de los europeos muy populares.

ENTRE MI VIAJE HE ENCONTRADO QUE EN MÉXICO EL DÍA DE LOS MUERTOS ES UNA CELEBRACIÓN POR TANTO LES DEJO UN VÍDEO DE LO QUE EN MI MOCHILA LLEVO DE ESTA GRAN BITACORA

AL TERMINAR DE ESTE VIAJE HE ENCONTRADO A LA CULTURA MAYA

La civilización maya habitó una vasta región denominada Mesoamérica, en el territorio hoy comprendido por cinco estados del sureste de México que son, Campeche, Chiapas, Quintana Roo, Tabasco y Yucatán; y en América Central, en los territorios actuales de Belice, Guatemala, Honduras y El Salvador, con una historia de aproximadamente 3.000 años.

El arte y las creencias religiosas

Parte de las limitaciones de los científicos se deben al carácter fragmentario de los restos arqueológicos, muchos de los cuales provienen del saqueo para fines comerciales. Ello impide conocer el contexto en el cual fueron hallados, dificultando la interpretación de los restos cerámicos.
Generalmente reservada al tratamiento de temáticas relacionadas con el mundo de los muertos, los hallazgos de cerámica son frecuentes en las cámaras funerarias. Los arqueólogos suponen que las escenas son parte de una mitología de las deidades familiares, también representadas con estatuillas sagradas, en el caso de los linajes de la nobleza.
Los pocos murales pintados que se conservan sorprenden por el realismo y la capacidad para trasmitir sentimientos. Es el caso de los frescos de Bonampak, elaborados entre el 600 y el 800 a.C., en la región mexicana de Chiapas. Muestran las ceremonias y los momentos previos a las batallas, su desarrollo, y el sacrificio final de los prisioneros.
Los mayas combinaron originalidad creativa con el perfeccionamiento de los estilos que desarrollaban los pueblos con los cuales entraban en contacto, ya fuesen invasores o vecinos. El arco o la bóveda falsa fue un elemento exclusivo de sus construcciones.
El jade fue un material ritual y mágico más valorado que el oro. Fue la joya favorita. Los reyes mayas lo utilizaban como piezas dentales postizas. Una vez enterrados, las máscaras fúnebres cubrían su rostro, y depositaban en su boca cuentas de jade y maíz para saciar el hambre en el País de los Muertos.

BIBLIOGRAFIA

https://www.mexicohoteles.com.mx/historia_mexico.php

http://www.programabitacoradeviaje.cl/?p=137

http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Coat_of_arms_of_Mexico.svg

http://www.explorandomexico.com.mx/about-mexico/5/5/

http://www.youtube.com/watch?v=Le8A8YEoosw&feature=related

http://www.tudiscovery.com/guia_mayas/arte_maya/index.shtml

http://www.youtube.com/watch?v=9fC5XTDJOns&feature=related

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